Dreiteilung

Dass Wahrnehmung nicht objektiv ist sondern subjektiv, ist eine Binsenwahrheit. Maßgeblich für den Menschen ist die Subjektivität der eigenen Wahrnehmung, die er zur Objektivität befördern möchte. Als wäre die Welt so, wie er sie sieht. Dies ist die Grundlage von Denken, Fühlen und Handeln.

Kunst ist die visuelle Dokumentation der eigenen Subjektivität. Um Kunst schaffen zu können, muss man sich zu diesem Subjektivismus bekennen. Künstler wie Amadeo Modigliani oder Gilbert & George haben einen auch formal extrem subjektiven Standpunkt eingenommen und deuten von diesem Standpunkt aus die Welt.

Die Welt und ihr Abbild

Wer ihre Kunst betrachtet, könnte sofort zu der Einsicht gelangen, dass die Welt aber ganz anders aussieht und deshalb sogar ganz anders ist, als sie sie darstellen. Was also ist passiert? Die genannten Künstler haben ihre subjektiven Standpunkt verabsolutiert und haben innerhalb ihres Wahrnehmungskosmos eine extrem ausgeformte Formensprache entwickelt.

Ausdruck und Wirklichkeit

Sowohl im Fall von Modigliani als auch bei den Foto-/Grafik-Kunstwerken von Gilbert & George geht es um eine formal strenge Stilisierung ihres Betrachtungs-Gegenstandes. Diese Darstellungsweise stellt den Ausdruck und die Ausdrucksfähigkeit über die realistische Abbildung und Erfassung der empfundenen Wirklichkeit – geht also über die Wahrnehmungsfähigkeit einer Konsenswelt, über deren Eigenschaften man schnell eine Vereinbarung herstellen könnte, weit hinaus.

Reduzierung als Verfremdung

Die Ikonografie der visuellen Welt von Gilbert & George ist schrill und bunt, die von Modigliano geometrisch-reduziert. Ihre dargestellte Welt ist eine Ausschnittswelt. Sie lässt vieles weg, konzentriert sich auf einige wesentliche konstruktive und stilbildende Elemente und zeigt so dem Betrachter einen subjektiv verfremdeten Teil der Wirklichkeit, der aber als absolut gesetzt ist. Das heißt: Das Subjektive ist der ausschließliche Erlebnisraum des Künstlers.

Die objektive Subjektivität

Sein Filter, durch den der Künstler die Welt betrachtet oder der seine Art zu zeichnen oder zu malen formt, wird zum Ausdruck seiner Realität. Das Subjektive, dass man unter anderen Umständen als Relativierung des objektiv Vorhandenen auffassen könnte, wird zum Ausschließlichen. So wird die Ich-Perspektive in der Selbstwahrnehmung zur Wirklichkeit des Ich-Subjekts objektiviert. Das heisst: Kunst findet gerade in extremer Subjektivität zur Objektivität des eigenen Seins. Weil extreme Subjektivität zu einem Glaubensbekenntnis wird, das Realität imaginiert – und starker Glaube mit Objektivität leicht verwechselt werden kann.

Weitere Kunsttagebücher:

  1. Was ist Kunst? Und warum nicht?
  2. Als die Nacht aus dem Blickwinkel des Tages unterbelichtet wirkte
  3. Warum Eitelkeit zur Kunst gehört und doch ihr Untergang ist
  4. Ziellosigkeit als Grundlage assoziativer Prozesse
  5. Kopfkino oder zeigen und weglassen im anspruchsvollen Film
  6. Warum die Größe einer Zeichnung ihre Aussage verändert
  7. Wann Form ein Inhalt sein kann
  8. Was könnte das sein?
  9. Gedanken-Gefühls-Bilder innerhalb einer Formgenese
  10. Die Welt ist voller Möglichkeiten oder Zufall und Entscheidung in der Kunst
  11. Über das „Zuviel“
  12. Wiederholung als Formoptimierungs-Prozess
  13. Der assoziationsoffene Raum
  14. Kunst und technisch-handwerkliches Können: Warum es besser ist, nichts zu können
  15. Methoden der Kunst: Durch Wegnehmen und Hinzufügen Bedeutungen erschaffen
  16. Der Kunsst
  17. Was ist Kunst?
  18. Künstler-Selbstbild: Skizze eines zufallsgesteuerten Lebens ohne anarchistische Romantik
  19. Beliebigkeit als Kunstprinzip: Über die vermeintliche Sinnlosigkeit assoziativer Folgerichtigkeit
  20. Langlauf oder Kurzstrecke? Das Intervall in der Kunst
  21. Der Künstler: Ein Assoziationsautomat
  22. Zeichnen und die Macht des Zufalls
  23. Vorhersehbarkeit und Offensichtlichkeit – über die Langeweile in der Kunst
  24. Offenheit, Inspiration, Assoziation – über den Wert von Einflüssen in der Kunst
  25. Hinz- und Kurzgeschichte: Als der Unterhaltungskünstler den ernsthaften Künstler traf
  26. Über die metaphorische Schwangerschaft der Bilder
  27. Über das Vorläufige und das Endgültige in der Kunst
  28. Warum Kunst ein Virus ist
  29. Kreieren und wiederholen: Warum Kunst nicht kreativ ist
  30. Das Unverwechselbare in der Kunst als Ausdruck der eigenen Unfähigkeit
  31. Das Ungefähre als das nicht Greifbare
  32. Offenheit, Inspiration, Assoziation – über den Wert von Einflüssen in der Kunst
  33. Der blinde Fleck und die Kunst der Betrachtung
  34. Kompetenz und Versagen als sich selbst bedingende Gleichzeitigkeit
  35. Kunst als Selbstdialog
  36. Ordnung und Chaos als Polaritätskonzept künstlerischen Wirkens
  37. Die Überforderung
  38. Eindeutigkeit und Wahrnehmung in der Kunst
  39. Kunst als Sprache
  40. Der Mangel als Ansporn
  41. Bedeutung und Orientierung als Ziele der Kunst
  42. Selbstbild und Seins-Inszenierung
  43. Kunst als Chiffre der Notwendigkeit
  44. Kunst als fortgesetzter Traum
  45. Idealismus oder Materialismus – Geld oder Leben!?
  46. Die Maslow-Bedürfnis-Pyramide oder fühlen und durchleben in der Kunst
  47. Jenseits der Worte
  48. Wahrheit und Verdrängung
  49. Das Gefühl für die Dinge oder von der Schwierigkeit, Kunst zu definieren
  50. Zwischen Selbsttransformation und Fremdwahrnehmung
  51. Fehler machen als „Sesam-öffne-dich“
  52. Kunst und die Visualisierung des Nie-Gesehenen
  53. Jede Regel will gebrochen sein
  54. Die Intrinsik als Wesenszug
14. Juni 2019  
  ,